En début de saison, vous êtes de plus en plus nombreux à venir à La Garance pour rencontrer les artistes et découvrir les spectacles et créations que nous allons vous proposer au fil de l’année.
C’est pour cette raison que nous vous proposons de découvrir votre nouvelle saison, ce samedi, soit à 16 h 30 soit à 19 h 30.

À la fin de la première présentation, ou au début de la seconde, vous pourrez :
• Assister au spectacle WRZZ à 19 h 30.
• Découvrir notre nouveau partenaire food truck, « Les Toqués en vadrouille », en goûtant leur cuisine qui vous réjouira le palais tout au long de la saison.
• Et d’autres surprises…

Lors de cette soirée, de nombreux artistes compagnon(ne)s seront à vos côtés, pour vous accueillir, vous rencontrer…et prendre un verre au bar en votre compagnie.
Une fois encore, notre plaisir sera de vous surprendre, de vous émouvoir, de vous donner envie, que vous soyez des spectateurs fidèles ou de nouveaux venus.

C’est l’histoire d’une rencontre entre Loïc Lantoine, troubadour trublion, cascadeur du quatrain, et « Le Very Big Experimental Toubifri Orchestra ». Par un jazz puissant, savamment maîtrisé, cette formation est une fantasque fusion des genres, un maelström indéfinissable, inspiré des mandalas cycliques du gamelan balinais et profondément marquée par la musique pop. Un joyeux fracas, une fanfare dada, où l’imaginaire folklorique est porté à sa pleine puissance. Les modes de jeu explorent toute la richesse des timbres, la spatialisation du son, l’énergie des instruments. Un style inclassable !

Loïc Lantoine ? Voilà plus de dix ans que « Monsieur l’Artiste » fait tanguer la langue, chavirer la rime et culbuter les strophes. Aux côtés de son complice, François Pierron, il a baroudé de bars en gîtes, de clubs en bouges, avec une inaltérable constance et trois albums : Badaboum en 2004, Tout est calme en 2006, À l’attaque en 2008. Poète routard, déglinguant les conventions littéraires et musicales, avec un bagout et une pépie dignes d’un Bukowski ch’timi ou d’un Tom Waits nordiste. Touchés par l’écriture brute et chancelante de Loïc Lantoine, les musiciens du « Very Big Experimental Toubifri Orchestra » ont écrit un spectacle, un hommage sublime de vie, avec des anciennes, des nouvelles chansons du répertoire de Loïc, des inédites aussi. Un spectacle déjanté, puissant et poétique qui allie le son riche et complexe des instruments avec la voix grave, chaude et rocailleuse de Loïc Lantoine, pour servir une parole écorchée vive, empreinte d’humanité.

Qui n’a pas dansé au cœur d’un groupe dans une discothèque ou lors d’une fête ? Qui n’a pas été au moins une fois dans sa vie « Le roi des rois de la piste » ? Qui, envahi, submergé, emporté par la musique, n’a pas ainsi dévoilé, le temps d’une « transe danse », ses intimités et ses fantasmes ? Andy Warhol, artiste américain, représentant du pop art, écrivait : « À l’avenir, chacun aura droit à quinze minutes de célébrité mondiale ». Voilà ce que dévoile cette proposition chorégraphique, musicale, théâtrale et burlesque, ciblant l’absolue nécessité de séduction dans une danse populaire. Sur des musiques inoubliables des années 70 et 80, cinq danseurs interprètent près de quarante personnages vêtus de costumes invraisemblables qu’ils changent à la vitesse du son.

Mais être, pour quelques minutes seulement, « le roi de la piste » engendre des échos tragi-comiques. Sur un podium lumineux, défilent des gens, de toutes classes sociales, qui se dévergondent, avouant ainsi leurs faiblesses, leurs folies, leurs craintes. Ces démonstrations à l’humour délirant, mettent en pleine lumière des êtres qui jouent là le rôle de leur vie : prête à tout pour séduire, une femme à la robe rouge laisse finalement déborder une cruelle solitude… Il y a aussi le transsexuel, la snob, le drogué, le chippendale, et tant d’autres encore. Des mises à nu conscientes ou inconscientes de « ces danseurs d’un instant » qui se libèrent de tout carcan pour être vus. Exister enfin… Et qui sait ? A l’issue de la représentation peut-être aurez-vous
une folle envie de danser ?

Sébastien Barrier, poète-camelot, clown vagabond et conteur, est de nouveau parmi nous. Attendre son retour, donnait une sacrée « gueule de bois » ! Cette fois, il est accompagné de Benoît Bonnemaison-Fitte, de Nicolas Lafourest. Devant une page blanche de neuf mètres par trois, la parole de Sébastien convie, rassure, accueille. C’est un peu comme le début d’un récit, d’une fable. Une sorte de messe païenne. Une tentative d’explication de la journée, des mois passés, des expériences vécues
ces derniers temps.

Voilà l’instant de dresser la liste de ce que nous perdrons, peut-être ou sûrement, un jour. Benoît, affairé sur la page, inscrit, relève, classe, trace, dessine en mots, noircit, garde des traces, rend visible ce qui est dit. Témoignage graphique qui organise et répand le chaos d’une pensée en train d’éclore. Il offre, très vite, un nouveau texte, augmenté, déformé, tronqué, où les mots entrent en voisinage, s’assemblent, se répondent, multipliant à l’infini les lectures possibles. Dans tous les méandres de cette parole qui prend forme, la musique de Nicolas exacerbe la sensibilité des mots. Elle implique la parole de manière grave, anecdotique, chantante, mélancolique, implorante, rassurante, engagée. Elle en fait la matière d’un prêche, le synopsis d’un film, la structure d’une ode. Un poème où se côtoient humour et émotion. Nos addictions sont des planètes. Une odyssée « où il est question de se perdre, pour parfois se retrouver ».

Inoove, La Gare de Coustellet et La Garance s’associent pour vous offrir une nuit dédiée aux musiques électroniques : une soirée grand-format dans un lieu inhabituel. La Garance se transforme en dance-floor géant, une grande salle et un patio pour deux scènes électro, ambiance lumière et déco, un piano, des machines en tout genre… pour vous faire vibrer aux sons des meilleurs artistes de la scène électro actuelle.
En partenariat avec Trax Mag, Tsugi et Raje

/ Dj-set (USA) _ raar
Propulsée en haut des charts par les hits clubs Let the Beat Control Your Body et Nobody Rules The Streets sortis sur Bromance Records au côté de Brodinski, Louisahhh est peu à peu devenue l’une des figures féminines majeures du paysage techno imposant sa verve singulière oscillant entre techno maîtrisée et sensualité destructrice. Elle a partagé la scène avec des noms comme Dave Clarke, Recondite…

Live piano & drum machine (Italie) _ involve records
Pianiste du groupe Cabaret Contemporain, Fabrizio Rat, invente un live techno envoûtant pour piano à queue et boîte à rythme. Une vraie performance live où les marteaux du piano claquent autant que les kicks, et les riffs mélodiques s’emballent comme une locomotive à surchauffe. Après un EP sorti en 2017 sur le label Involve records, Fabrizio a su trouver sa place sur la scène techno aux côtés d’artistes
comme Ben Clock, I Hate Models ou Jeroen Search.

DJ-set (France) _ virgo records
Electric Rescue agite la scène techno hexagonale depuis deux décennies. Militant de la rave, quand il ne s’affaire pas derrière les platines des clubs les plus prestigieux de France, seul ou accompagné (Möd3rn avec Traumer et Maxime Dangles ou W.LV.S avec The Driver), c’est avec son label Skryptöm et ses résidences au Rex Club ou les mythiques soirées Play qu’il électrise l’underground techno français.

Live (France) _ inoove
Depuis 2011, ces deux DJ compositeurs, passionnés de musique aux influences éclectiques, et surtout électroniques, font éclore une identité musicale aux gimmicks si singuliers. Des kicks lourds, des basses envoûtantes, des rythmiques captivantes, produisent des mélodies profondes. Après un premier album sorti en janvier 2017, ils viennent rejoindre le Label Inoove.

Formé de cinq virtuoses, Le Concert impromptu est l’un des grands ensembles de musique de chambre français présent sur les scènes nationales et internationales depuis 1991. Il est de Paris à Johannesburg, de Lisbonne à Vienne, l’ambassadeur de la musique française. À cette image de marque, il ajoute son vent de folie, jeu par cœur, improvisation, mouvement au beau milieu des classiques, fait entendre sa musique inventive, brillante, parfois ludique, toujours exigeante. Le Concert impromptu compose son propre théâtre de musiques qu’il nomme « Cross Opéra » : de L’Art de la Fugue de Jean-Sébastien Bach aux compositions de Frank Zappa. Cette formation revisite aussi la scène contemporaine transdisciplinaire aux côtés des danseurs de la compagnie new-yorkaise Anna Sokolov Players Project, du chorégraphe américain David Parker, des poètes contemporains Jean-François Manier, Monia Boulila ou Michel Thion. Le quintette travaille également avec les compositeurs Philippe Leroux, Bruno Giner, Sébastien Béranger, Bernard de Vienne… dont il crée et diffuse les œuvres auprès de tous les publics, porté par le désir du plus grand partage.

Jean-Philippe Rameau, Les Indes galantes, extraits
Hector Berlioz, Un Bal, extrait de La symphonie fantastique
Christoph Willibald Gluck, Scène des Champs-Élysées, extrait d’Orphée et Eurydice
Thierry Blondeau, Volée
Claude Debussy, Nuages et Fêtes
Maurice Ravel, Pavane à une Infante défunte

Olivier Barrère, comédien et metteur en scène avignonnais, est compagnon de La Garance depuis trois saisons. Si comme le disait Max Ernst « l’art est un jeu d’enfant », il faut savoir le transmettre. L’équipe a été fortement séduite par le travail minutieux et sensible qu’Olivier Barrère réalise auprès des options théâtre des écoles partenaires, par son enthousiasme à défendre le texte, en le faisant aussi découvrir par des lectures en bibliothèques. Aujourd’hui, il crée sa propre compagnie « Il va sans dire », la met au monde en interprétant et mettant en scène The Great Disaster de Patrick Kermann, également auteur de La mastication des morts, pièce qu’Olivier Barrère a interprétée en 1999 à La Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon.

14 avril 1912 à 23 h 40, le Titanic sombre. À bord, Giovanni Pastore, chargé de nettoyer les 3177 cuillères à dessert pour les passagers de première classe. Giovanni a sombré mais n’est pas compté parmi les victimes. Il sombre dans l’oubli. Dans la pièce, il est question d’utopies, de progrès, du passage à l’âge adulte, de migration, de classes sociales, de désir et… de la mort. Ce récit est jubilatoire : une fenêtre s’ouvre et Giovanni vient à notre rencontre. Pour faire entendre, avec joie, une langue poétique et truculente, en naviguant auprès du public, tout près, tout contre.
« De ma première pièce, The Great Disaster, à la dernière, je ne cesse de donner la parole à ceux qui sont morts. (…) Nous oublions que nous sommes des morts en sursis, et nous vivons amputés d’une moitié de nous-mêmes. »
_ Patrick Kermann, janvier 2000

Danseur-chorégraphe, issu de la mouvance hip-hop, Bouba Landrille Tchouda poursuit sa réflexion autour du rapprochement des danses, des langages, des communautés et des hommes, à travers l’énergie des danses urbaines. Nourrie de nombreux courants, la pratique du chorégraphe isérois s’est forgée sur les métissages. Pour lui, toute danse est un univers à entreprendre, à mouvoir, à émouvoir, à transpirer, pour mettre en mouvement l’humanité de chaque être, questionner le sens de son devenir, de ses désirs. Pour Boomerang, il a fait appel à des artistes issus du break dance et recrutés au Brésil ou en Corée.

Instrument de chasse, de jeu ou de musique, le boomerang traverse les espaces. Nos imaginaires aussi. Tout comme la violence, gravée en nous, et qui habite le présent de nos vies. Elle grandit au fil des jours, s’invite à nos côtés, s’immisce entre nous, et nous empêche, nous exclut, jusqu’à menacer notre humanité. Sur scène, alimentés par le goût du jeu et du défi, huit danseurs se lancent dans un simulacre de course, une espèce de partie de chasse, et cherchent à prendre le dessus pour vaincre, juste pour (sur)vivre ! Le terrain de ce jeu se déploie dans le quotidien, dans des lieux banals, au hasard des circulations des individus, en groupe ou seuls… Chavirements, fulgurances, foudroiements, crève-coeurs, épanchements corporels, abrupts ou langoureux, nauséeux ou jouissifs, animés par des danseurs, énergiques, véloces, intenses, qui triomphent puis se soumettent, renversés, absorbés par des vagues sonores percussives, aux confins de la fureur.

Un spectacle documentaire consacré à la « Question de la Palestine ». Il est né à la suite d’entretiens entre la créatrice et des artistes occidentaux d’âges différents ayant vécu quelques mois en Israël ou en Palestine, à différentes époques. Confronter ces entretiens à des extraits de pièces de théâtre historiques en arabe traitant des mêmes événements mais dans une perspective qui ne soit pas européaniste. Démêler puis refaire le nœud de « ce qui a bien pu se passer pour qu’on en arrive là » exige de la patience. Nœud gros de plus de cent ans. Éviter les mots qui provoquent les réactions violentes, rayer les sarcasmes, débusquer les termes qui découragent, qui tendent au lieu de délier.

Décris-Ravage retrace l’histoire des retrouvailles, à partir de 1799, entre l’Occident et un territoire peuplé aux enjeux imaginaires infiniment grands, Israël / Palestine / Terre Sainte. Entre théâtre documentaire et conférence inattendue, mêlant sources historiques, témoignages, oeuvres de dramaturges arabes, Adeline Rosenstein y décrit autant deux cents ans d’Histoire palestinienne que les liens anciens entre l’Europe et cette partie du monde arabe. Rappelant une histoire en grande partie méconnue. Décris-Ravage ausculte ainsi à la fois une situation donnée et les manières de transmettre l’histoire, déjouant les simplismes partisans et reliant à nouveau inventivité et lucidité contre l’hystérie et le passé réifié, mis au service de la violence.

Alors qu’il étudie la musique pour devenir chef d’orchestre, Emanuel Gat tombe sous le charme de la danse à vingt-trois ans. Il crée sa compagnie à Tel Aviv en 2004, puis, s’installe ensuite à Istres. Awir Leon, alias François Przybylski, traverse le hip-hop, le modern jazz, devient danseur contemporain et depuis près de dix ans, se donne à la composition de musique électronique. Même si ces deux chemins sont à contre-courant, ils finissent par se croiser, artistiquement, sublimement. Créer ensemble est une évidence, un besoin de l’un et de l’autre. Complices, ils sont habités du même désir d’un travail qui jamais ne se fige.

Pour cette création, comme pour les précédentes, Emanuel Gat demande à ses danseurs et danseuses de faire collégialement le choix d’un texte qu’il adaptera en mouvements. Une chanson célèbre de Boney M, Sunny, est choisie. Le chorégraphe la fait alors « gesticuler » avec sensibilité et sensualité, revendiquant de rendre visible le processus de création sur scène. Awir Leon, lui, veut sortir du côté aseptisé de la musique électronique live. Il ressent sa bande son comme une matière vivante, mouvante, émouvante, qui évolue à chaque représentation. Musique et danse ne cessent jamais de respirer, de vivre, offrant ainsi, une oeuvre toujours nouvelle, naissante, palpitante, une performance, à la musique, aux chants, aux mouvements, délicats et intenses. Dans une scénographie d’une clarté aveuglante, de si talentueux danseurs et danseuses se déploient seuls, en grappes, s’étreignent, avec une profondeur dans le regard qui éblouit, elle aussi.

Je suis d’avis que le théâtre a aussi pour mission de provoquer le dialogue. Que la fiction permet de s’identifier aux autres, pour s’interroger sur soi-même. Braises traite d’un sujet brûlant parce que d’actualité. Le repli culturel que l’on observe dans certains quartiers soulève des débats houleux sur ce qu’est l’identité nationale. Je considère que c’est aussi à nous, artistes, de prendre la parole pour la donner. À nous de construire des ponts, de faire entendre des voix que l’on tait trop souvent par peur de s’y confronter. Braises compose un théâtre capteur de notre époque qui tisse des fragments de vie dans un flux qui est celui même du temps.
_ Catherine Verlaguet

Au coeur d’une famille attachée au respect des traditions, Braises expose les bouleversements nés de l’éveil amoureux qui embrase l’adolescence. La puberté initie une mutation profonde et parfois meurtrière qui pousse les adolescents à fuir le carcan familial. L’essor de la personnalité, le joug des premières pulsions sexuelles et le sentiment d’insécurité qui en résulte les coupent du monde. L’incompréhension et l’isolement nourrissent leur désir d’émancipation. Deux soeurs, Leila et Neïma, sont confrontées au poids de la filiation et au respect du mode de vie incarné par leurs parents, appartenant à la première génération d’immigrants. Elles nous tendent en miroir leur quête libertaire de femmes en devenir, basculant de la naïveté à la gravité, chavirant du rire aux larmes, Braises nous livre avec élégance leur histoire, publique et privée, humaine et sociétale.

Un univers mouvant, dans lequel évoluent trois solitudes à la recherche d’un lien. Deux danseurs se rencontrent, percutent, prennent part à la musique, en corps, en sons, en voix. La musicienne, elle, crée l’univers sonore, récupère, transforme et modèle des sons produits en live. Donner la musique à voir, avec un corps qu’on entend. Ces artistes puisent leur énergie dans une danse contemporaine, rythmique, percussive et un univers instrumental et électroacoustique, cherchant moins à se définir qu’à se parcourir, ouvrant l’imaginaire et l’écoute.

Une très intelligente relecture de la danse baroque qui n’hésite pas à emprunter à Cunningham certains de ses traits. La musique du XVIIe siècle est éclatée entre deux consoles tenues par deux musiciens. Le propos est de transposer le pouvoir absolu de Louis XIV et la danse qu’il a codifiée pour partir à la recherche de la sacralité de l’homme et non de sa fonction. Habilement, avec une gestuelle très dessinée, elle inverse les symboles du pouvoir dans une chorégraphie subtile et rigoureuse faisant la part belle aux bras, avec de très jolis suspens, et de belles accélérations.

Dans le cadre du réseau [Re]connaissance

Le Théâtre du Rivage trouve source de création dans différents répertoires, mélange parfois les disciplines et les langues. Il fait jaillir de ses actes artistiques la même fulgurance de surpassement, d’humanité et d’espoir en l’homme. Cette compagnie porte une attention particulière à l’adolescent(e) qui bascule au cœur de la vie adulte. En avril 2015, elle présente à La Garance À la renverse de Karin Serres, l’émotion entre deux jeunes gens qui découvrent à leur éveil que comme l’écrit Pascal Quignard « la vie n’est pas une tentative d’aimer mais elle en est l’unique essai » et qui se livrent corps et âme à la beauté, à la cruauté du sentiment. Cette adaptation porte une fois de plus sur la complexité des émotions amoureuses. Monter un texte d’un auteur du XVIIIe pour des adolescents d’aujourd’hui a-t-il encore un sens ?

Marivaux guette dans le cœur humain, tout au long de son oeuvre, toutes les niches où peut se camoufler l’amour qui craint de se montrer. Le jeu de l’amour et du hasard n’y échappe pas : promise à Dorante, Silvia qui redoute la vie conjugale, fait appel à un stratagème où elle se fait passer pour Lisette, sa servante, afin de mieux observer
son prétendu. Dorante fait de même. Le jeu et le hasard. Ce double travestissement nous fait sourire. Mais, face au vertige des sentiments, ne jouons-nous pas de pareilles feintes, nées de nos peurs, de nos solitudes éternelles, universelles, et parfois ne nous abandonnons-nous pas au hasard ? L’oeuvre de Marivaux a encore un sens aujourd’hui. Et demain aussi.

L’humour de Marguerite Duras serait-il essentiellement un humour de la jubilation par les mots, où il s’agirait de se laisser entraîner dans une espèce de délire verbal qui chercherait à retrouver une certaine fraîcheur enfantine ? Le rire jaillit souvent d’une profonde désespérance et ses personnages s’amusent de leur malheur. C’est pourquoi la dramaturge parle, au sujet de ses comédies, de « pessimisme qui a le fou rire ». Mais son comique naît aussi d’une révolte contre l’indigence du langage courant : « On a envie de jouer avec les mots, de les massacrer, de les tuer, de les faire servir à autre chose et c’est ce que j’essaie de faire. »

C’est ainsi que Marguerite Duras désigne sa pièce Les Eaux et Forêts, créée en 1965. Avec cette oeuvre, à la tonalité absurde, la dramaturge inaugure son « théâtre de l’emportement » où prévalent spontanéité, simplicité et innocence du jeu. Le canevas : sur un trottoir, un homme se fait mordre par le chien d’une femme. L’homme, très énervé, s’en prend à la propriétaire du roquet qui trouve le monsieur très vulgaire. Une autre femme s’en mêle et c’est l’altercation ! S’ensuit une discussion plutôt animée, entrecoupée par les aboiements de « Zigou », où l’absurdité l’emporte. Le fait anodin de la vie quotidienne se transforme en une « catastrophe nationale ». Les trois énergumènes imaginent Paris anéanti, contaminé par la rage. Puis on dévie sur leur vie conjugale, leur intimité, leurs secrets. Dans une langue magnifique transparaît alors la complexité de leurs existences…

Le spectacle aborde la question de l’intériorité, de nos espaces intimes, fantasmés, rêvés. Les artistes recherchent une distorsion de la réalité, une métaphore de l’espace contraint par les murs. Portée par l’imaginaire de chaque danseur, la manipulation des objets fait naître des images, apparitions : réalité ou fiction ? L’objet est utilisé tantôt comme accessoire, tantôt comme costume… les danseurs se transforment, personnages étranges, évocations d’hommes ou de femmes venus d’ailleurs, princes et princesses de petits territoires imaginaires.

Une nouvelle pièce se construit alors où l’absence devient un motif de l’écriture. S’extraire, accompagner, convier, s’opposer, se construire dans et face au groupe, intervenir ou laisser faire. La danse laisse apparaître l’intimité des relations, l’empathie qui relie chacun de nous, le lien : nouer, dénouer. Le plateau permet aux danseurs de ralentir… Sortir de l’urgence provoquée par l’espace urbain. Des silences s’installent. Le temps se détend. Des focus permettent de passer du groupe à l’individu, s’attacher à la mise en valeur d’écritures plus intimes : solos, duos, trios. La scénographie, abstraite, épurée, privilégie la corde et le pneu, objets du rien réinventés comme costumes et comme décor. La musique est jouée live et utilise la spatialisation comme élément de composition, étirant le temps, offrant des respirations : accordant plus de place au silence, à la respiration.

Nées à l’initiative du Théâtre des Doms, à Avignon, « les Francophoniriques » sont une géographie rêveuse, un espace temps poétique et onirique. Au-delà de constater l’immensité du territoire où l’on s’exprime en français, ce « petit festival avec la langue », en propose la réinvention permanente. De taille humaine, il convoque des rencontres singulières avec ce territoire symbolique où se croisent un nombre incalculable de cultures et de forces créatives.

Venez participer à la création du spectacle !!!

La Battle

Cette édition, la troisième, fera escale à Cavaillon avec un spectacle interactif dont le public est une des matières premières. Il s’agit d’une installation suivie d’un concert. Le public se fait le créateur d’une matière sonore, textuelle et visuelle en participant à plusieurs modules d’animations numériques. Ces apports participatifs sont ensuite réunis pour composer dans la foulée un spectacle virtuel. Le public assiste au résultat final : « Francophonika », une battleperformance unique en son genre où un V-djayer et un Beatmaker vont s’approprier ce que le public aura créé pour défier les artistes sur scène. Qui aura le dernier mot ? Le public ou des professionnels ?

L’image des participants aux ateliers peut être utilisée pour être diffusée durant les animations et les représentations

Une fiction politique contemporaine inspirée du processus révolutionnaire de 1789. Qu’est-ce qui pousse des hommes à renverser le pouvoir ? Quels nouveaux rapports instaurer entre l’homme et la société, les citoyens et leurs représentants ? Entre fiction et réalité, Ça ira (1) Fin de Louis raconte cette lutte pour la démocratie.

L’auteur et metteur en scène Joël Pommerat donne à voir la politique et le théâtre en train de se faire. Un théâtre profondément démocratique, intelligible à tous, qui plonge le spectateur dans le bouillonnement idéologique révolutionnaire et réinterroge les nécessités de l’engagement politique. Le spectacle s’inspire des grandes lignes de l’Histoire révolutionnaire, depuis la crise financière qui conduit à la convocation des États généraux par Louis XVI jusqu’aux débuts de la contre-révolution en 1790-91. L’équipe de création a beaucoup travaillé à partir de textes d’archives, improvisant à partir d’elles, avec l’appui de la dramaturge Marion Boudier et de l’historien Guillaume Mazeau. Rompant radicalement avec le mythe d’une histoire des héros, Joël Pommerat donne au passé la force du présent en s’intéressant au processus collectif révolutionnaire, à la multiplicité de ses acteurs et à son caractère improvisé. Transformant le plateau en agora, les quatorze acteurs qui endossent plusieurs rôles, proposent une histoire à hauteur d’homme et mettent la parole au centre de l’action théâtrale. Un spectacle qu’on peut voir et revoir sans jamais en épuiser la très riche matière artistique et politique.

Arno Schuitemaker, chorégraphe hollandais, aborde la danse de façon très physique, danse où le corps, le mouvement, la musique, la lumière et l’espace sont des facteurs essentiels qu’il aime à pousser à l’excès, jusqu’à les fusionner. Il identifie le mouvement, le travaille intensément, dialogue avec lui, se laisse fasciner par lui, afin d’en explorer son moindre sens, d’ouvrir ainsi de nouvelles voies sur le rythme, la répétition, l’endurance et de faire jaillir enfin les qualités d’abandon des danseurs. Chaque oeuvre, basée sur une perception immersive et viscérale tant pour les artistes que pour le public, crée une intense relation, une communion singulière entre ces deux mondes.

Dans While we Strive, trois danseurs séduisent le public au cours d’un voyage, d’un transport de sens. Ils donnent vie à la relation entre le son et le mouvement, dans une intensité hypnotique et une simplicité magique. Les artistes dialoguent avec le public à l’aide d’un petit appareil sonore qu’ils ne vont plus lâcher. La vue devient alors l’ouïe. L’ouïe devient alors la vue. De ces interprètes émane une forte énergie : leurs bras décrivent des cercles, leurs corps ondulent, frémissent, se cramponnant les uns aux autres, portant ainsi le rythme à sa limite, à son apogée. While we Strive place nos propres sens en mouvement, génère en nous une expérience physique et acoustique qui nous éveille, nous touche et résonne au plus profond. Une déambulation sensorielle fascinante et d’autant plus troublante que la transe est le plus souvent associée à des cultures extra-occidentales.

dans le cadre du réseau [Re]connaissance

Un chorégraphe israélien a besoin d’un danseur arabe afin de créer une pièce, porteuse d’un message de coexistence et de paix. Le temps d’une conférence ou d’une leçon de danse, Hillel Kogan aborde avec son danseur la question de la collaboration artistique, de l’engagement, du territoire, de l’identité. Acte de foi, art engagé, le spectacle est une parodie sans concession sur les clichés chorégraphiques et les stéréotypes ethniques, une manière de démolir le mur des préjugés et de disséquer les comportements ordinaires, avec humour, dérision, subtilité et sensibilité. Un acte à la fois fort de son essentialité et de son sourire. Il parle de l’anxiété, de la peur, des clichés et de l’hypocrisie qui teintent souvent les relations entre Juifs et Arabes et pose la question suivante : l’oeuvre d’art abstrait, l’oeuvre dansée peut-elle véhiculer un message social et politique ?

Hillel Kogan a étudié la danse à l’école Bat-Dor à Tel Aviv et au Merce Cunningham Trust à New York. Cet artiste prolifique et engagé est habité par de nombreux talents : danseur, interprète, acteur, concepteur et dramaturge. La danse est pour lui comme un parcours philosophique qui enseigne l’humour en portant un regard drôle et lapidaire sur notre monde. Cette création est l’aboutissement de ce cheminement, indépendant, engagé, salutairement provocateur. L’oeuvre d’un chorégraphe que l’on pourrait surnommer, en raison de sa vive ironie, « le Flaubert de la danse ».

Comédie documentée relatant les 38 derniers jours qui précédèrent la première guerre mondiale

En 2014, la commémoration du centenaire de la première guerre mondiale donne lieu à nombre de manifestations, colloques, publications, documentaires, où le Poilu, figure totémique incontestable, occupe la Grande Place d’Honneur. Les monuments aux morts sont dépoussiérés, la flamme sous l’Arc de Triomphe est ranimée, la sonnerie aux morts retentit, les bleuets fleurissent aux boutonnières, les drapeaux claquent dans un vent oecuménique. Tout est majuscule. Garde à vous ! Silence ! Souvenirs ! Et puis, rideau ! À quoi sert une commémoration, si elle n’a pas pour première ambition de nous armer en pensée afin d’éviter qu’une tragédie similaire ne revienne ?

Nietzsche dit ne vouloir « servir l’histoire que dans la mesure où elle sert la vie », c’est-à-dire la connaître pleinement pour éclairer le présent et l’avenir. Il est donc essentiel aujourd’hui d’interroger les causes de cette guerre, de questionner sa prétendue fatalité, de repasser tantôt au ralenti tantôt en accéléré le film des événements de cet été 14, d’interpeller la responsabilité des politiques et des diplomates d’alors. Essentiel de comprendre comment nos aïeux se retrouvent au coeur de cette fournaise, et comme l’écrit Céline, « dans cette foutue énorme rage qui pousse la moitié des humains, aimants ou non, à envoyer l’autre moitié vers l’abattoir ». La Compagnie Cassandre s’associe alors à un auteur et à des historiennes pour
écrire un texte, sérieux mais drôle, drôle mais sérieux, qui raconte ces 38 jours qui ébranlent le monde, les origines de la Première Guerre mondiale.

Cette pièce est librement inspirée par la vie et la mort d’Olympe de Gouges. Héroïne révolutionnaire. Femme de Lettres. Femme politique. Elle est l’une des premières féministes françaises, auteure de La déclaration des droits de la femme et de la citoyenne : si la femme a le droit de monter sur l’échafaud ; elle doit avoir également celui de monter à la tribune.

J’ai rêvé la Révolution construit une fiction, mettant en présence des protagonistes, traversés de questions, d’émotions humaines. Peu à peu, apparaît le sentiment que cette action d’autrefois née en France peut se dérouler aujourd’hui. Catherine Anne joue de cette tension, de cette ambivalence, de l’épure d’une pièce intimiste pour évoquer la figure et les derniers jours d’une femme, guillotinée en novembre 1793 pour ses idées et ses écrits. Comment une personne qui a vécu librement, avec audace, résiste à l’emprisonnement ? Après avoir tellement revendiqué la liberté pour elle, pour tous, pour toutes, elle finit ses jours dans une cellule. Mais cette femme désire être confrontée au Tribunal Révolutionnaire, persuadée que la justice ne peut la condamner, convaincue de son innocence et de ses idéaux inspirés des Lumières. Cette écriture tendue entre Histoire et violence, trouble de notre actualité, est porteuse d’une intelligence du monde et de l’humanité. Elle permet d’aborder subtilement les grands débats sociaux, politiques de notre présent.