Au fil des saisons, vous êtes toujours plus nombreux à venir à La Garance pour rencontrer les artistes et découvrir la création d’aujourd’hui !

Une fois encore…
nous souhaitons vous surprendre et vous émouvoir avec la même intensité, que vous soyez fidèles ou nouveaux venus…
Nous souhaitons vous surprendre et vous émouvoir par notre accueil festif et tonitruant…
Nous souhaitons vous surprendre et vous émouvoir par la présentation de la programmation 16 /17.

Lors de cette soirée de nombreux artistes compagnon(ne)s, ainsi que le Quatuor Béla et la fanfare « Haut les mains ! », seront à nos côtés pour vous accueillir et vous rencontrer.
Bien sûr, à l’issue de la présentation de saison, les artistes et l’équipe vous retrouveront autour d’un apéritif…

Lorsque l’on parcourt la presse musicale et que l’on découvre les articles écrits sur ce groupe de cinq amis de lycée, il n’est question que d’amour pour la littérature, de poésie inédite et rageuse, de puits de rêveries, de Dandys au verbe haut et référencé, de voix cendrée, de chant théâtral et vibrant, enfin d’un îlot d’une singulière élégance. Le destin tragique de Chatterton, jeune poète que des ambitions littéraires contrariées ont conduit au suicide, a fasciné tous les romantiques français jusqu’à ses deux derniers hérauts, Gainsbourg et Bashung. Et Feu ! Chatterton ne peut nier l’influence de ces deux figures tutélaires de la chanson. Quoiqu’il en soit, cette filiation ne suffit pas à raconter et comprendre un groupe dont l’alchimie sonore distille rock et littérature comme aucun de ses contemporains.

Ici le Jour (a tout enseveli) est un album complexe et envoûtant, à la croisée des Doors et de Nick Cave. C’est à la fois une œuvre rock intemporelle, très longue en bouche et un objet littéraire moderne : obsédant comme un recueil de poèmes et palpitant comme un roman noir américain. Doux-amer, exalté, romantique mais au coin de la rue, tout y est « aigre-doux » comme chez le traiteur chinois.

+ Teorem (1ère partie)
Des textes percutants sur une musique entre électro, rap et chanson. L’argot y fait bon ménage avec une poésie proche du bitume, inspirée par l’homo sapiens moderne, pressé, révolté, amoureux.

Soirée organisée en coréalisation avec les Passagers du Zinc
concert assis / debout

C’est tout d’abord une rencontre entre la chorégraphe Josette Baïz et le Quatuor à cordes Béla. C’est ensuite un projet qui se dessine où danse et musique contemporaines pourraient être étroitement liées et métissées. C’est enfin une création qui voit le jour avec sept danseurs et quatre musiciens, des artistes joyeusement au coeur même de leur époque. Une création où il est question d’esprits, de revenants traqués dans les oeuvres musicales d’Edward Benjamin Britten, György Kurtág, Henrique Oswald, George Crumb, Alfred Schnittke. Une création étrange dans laquelle musiques et mouvements sont des sources pour chacun des interprètes.

Les danseurs se glissent subrepticement dans la peau d’esprits mélancoliques et facétieux afin d’auréoler la soirée de magie et d’extravagances : surgissements de moments étranges, surréalistes et mystérieux ainsi que de respirations farfelues et décalées. Convoquer les fantômes, tous autant qu’ils sont : musiciens, danseurs, invités inattendus… Autant de revenants, hébétés de se retrouver là… devant « un étang gris et des rives désertiques… ». Ils vont alors utiliser tout ce dont ils disposent, corps, voix, instruments, pour faire naître des souffles glacés, des rythmes boitillants et des chants suspendus… Un univers étrange, une excursion inévitable dans le chaos… Sept danseurs, quatre musiciens, tous projetés dans le monde de l’invisible, surréaliste et hypnotisant…

L’écriture de Jean-Luc Lagarce a une élégance particulière et un humour singulier. Une écriture en lutte contre le pessimisme, pour apaiser notre douleur, conjurer notre peur, et nous réjouir. Une écriture comme un coup de rein. Un élan vers la vie. Le regard de cet auteur sur les usages désuets de la société bourgeoise du siècle dernier, nous permet d’évaluer la pression constante de nos propres usages sociaux contemporains, de prendre conscience de l’infinie violence des nouvelles formes de règles qui contraignent aujourd’hui notre intimité. Le théâtre de Jean-Luc Lagarce nous émancipe d’un ordre dominant par un délicat art du placement, fait de surplomb, d’invention et d’effronterie.

« Naître, ce n’est pas compliqué. Mourir, c’est très facile. Vivre, entre ces deux événements, ce n’est pas nécessairement impossible. Il n’est question que de suivre les règles et d’appliquer les principes pour s’en accommoder, il suffit de savoir qu’en toutes circonstances, il existe une solution, un moyen de réagir et de se comporter, une explication aux problèmes, car la vie n’est qu’une longue suite d’infimes problèmes, qui, chacun, appellent et doivent connaître une réponse. Il s’agit de connaître et d’apprendre, dès l’instant déjà si mondain de sa naissance, à tenir son rang et respecter les codes qui régissent l’existence. Il s’agit enfin de contrôler ses peines, de pleurer en quantité nécessaire et relative, de juger de l’importance de son chagrin, et toujours, dans les instants les plus difficiles de la vie, d’évaluer la juste part qu’on leur accorde ».
Jean-Luc Lagarce

Coproduction La Garance

Après Quartier lointain, présenté en janvier 2015 à La Garance, pièce adaptée de la bande dessinée de Jiro Taniguchi, Dorian Rossel s’approche une fois encore d’une oeuvre majeure japonaise. Il s’attarde aujourd’hui sur le film référence Voyage à Tokyo du cinéaste de l’épure, Yasujiro Ozu, en osant une transposition théâtrale à la fois poétique et percutante, sans jamais perdre la finesse du langage cinématographique. Il invite à ses côtés le grand acteur japonais Yoshi Oïda, fidèle comédien de Peter Brook.

Voyage à Tokyo pose la question de la désintégration des rapports entre les générations qui touche le Japon dans les années 1950, avec un réel effritement du socle traditionnel. Cela se joue dans la distance entre le village éloigné d’un père et d’une mère, Onomichi, et Tokyo, la grande ville de leurs enfants, symbolisée par un interminable voyage en train. Sans jamais tomber dans un jugement sur les enfants qui n’apportent pas l’attention nécessaire à leurs parents, le film d’Ozu montre la montée d’un nouveau mode de vie lié à la culture urbaine, avec de nouvelles références, une immense solitude, et une indifférence à l’autre toujours grandissante. Le génie d’Ozu est de montrer. Montrer simplement chaque point de vue des personnages, permettant ainsi au spectateur de mieux se découvrir dans certains d’entre eux et de refaire ainsi son propre chemin. Et n’est-ce pas en élargissant notre propre compréhension que nous nous approchons au plus près de celles des autres ?

Coproduction La Garance

Malgré son jeune âge, voilà l’oeuvre première de Thomas Jolly, comme un vent qui se lève annonçant l’orage majestueux de son incroyable Richard III et Henry VI de William Shakespeare. Cette pièce de Marivaux, c’est son idée. Son projet. Son espoir. L’idée d’une colère, le projet d’une lutte, l’espoir d’une ambition. Derrière cet « Arlequin », c’est le droit à l’existence qui s’exprime. Crier qu’on est vivant, qu’on est là et qu’on entend être libre. La liberté de se laisser aller à l’insolence. Marivaux convoque la jeunesse, sa fougue, sa bêtise splendide, sa maladresse, son enchantement, à l’endroit même de la foi en un autre monde. Arlequin et Silvia sont à cet endroit. L’endroit de tous les possibles. Le croisement de tous les chemins.

Une fée, amoureuse d’Arlequin, le séquestre. Son beau visage l’a tant séduite et aveuglée, qu’elle en oublie son manque d’esprit et sa grande ignorance. Elle veut se faire aimer de lui. Mais c’est sans compter sur la force et l’innocence des premiers sentiments
amoureux que le bel Arlequin va nourrir pour une jeune bergère, Silvia. Quelques ampoules, des guirlandes lumineuses, des serpentins de papier et le cadre féerique est posé pour cette émouvante histoire d’amour. Douloureuse sortie de l’enfance toutefois que celle de tout jeunes amants exposés aux desseins machiavéliques d’une femme de pouvoir animée par la jalousie et la colère. Sottes convenances, duperies, méchancetés, menacent la fraîcheur, la spontanéité des jeunes amours et entraînent la bergère et son jeune amant vers l’effroi.

L’oeuvre de Jean-Sébastien Bach constitue l’apogée de la musique baroque. Du reste, plusieurs spécialistes considèrent que c’est après la mort du compositeur que la musique baroque laisse place à la musique classique. L’Oratorio de Noël en est l’un des chefs-d’oeuvre.
Qu’est-ce qu’un oratorio ? Une oeuvre lyrique, proche de l’opéra, mais donnée dans une église, pour une occasion particulière. Jean-Sébastien Bach écrit plusieurs oratorios : la Passion selon saint Jean, la Passion selon saint Matthieu, l’Oratorio de Pâques, l’Oratorio de l’Ascension.

Jean-Sébastien Bach est né à Eisenach, en Allemagne, en 1685, mort à Leipzig en 1750. Il est, de nos jours, reconnu par certains comme le plus grand compositeur ayant jamais existé, un génie salué par des musiciens qui lui sont postérieurs parmi lesquels Mozart, Beethoven, pour sa rigueur, son inspiration, la richesse de ses harmonies, ses mélodies, sa pédagogie. Le répertoire de Jean-Sébastien Bach est délaissé après sa mort. La Passion selon saint Matthieu, n’est redécouverte qu’en 1829 par Félix Mendelssohn. L’Oratorio de Noël est composé, en 1734, sous la forme d’une cantate sacrée, une oeuvre vocale et instrumentale, en six parties, mais seules les trois premières seront données à la Cathédrale.

partie I. La naissance de Jésus. Mouvements n°1 à n°9
partie II. L’Annonciation. Mouvements n°10 à n°23
partie III. L’adoration des bergers. Mouvements n°24 à n°35

En partenariat avec l’association Kabellion et Musique Sacrée en Avignon

L’aventure débute en 2009 au « Village » à Cavaillon, un lieu de vie qui accueille des personnes afin qu’elles se reconstruisent. Des résidents ont le désir d’un orchestre. L’équipe, sensible à la place de la culture, met aussitôt ce projet à la verticale. John Sylvain Sifflett, alias Sylvain Mazens, multi-instrumentiste, habitué des projets hors normes, veille alors à ce que chacun prenne sa place dans cet « orchestre de traverse », basé sur le « Soundpainting », langage gestuel de création artistique, en temps réel. La Garance accueille en résidence ces artistes – qui entre autres se sont produits aux Festivals C’est pas du luxe ! – et accompagne la sortie de leur premier album, De traverse.

Voix susurrées, enragées, éraillées, fluettes. Guitares saturées, banjos minimalistes, violon étonné. Voix drôles. Drôles de voix. Jouets qui grelottent et jouets qui rigolent. Basses et batteries qui gigotent. Chœurs à reprendre en chœur. Mélodies qu’on fredonne, qu’on sifflote. Compos originales. Histoires de mec dans la rue, de fruits, de chaussettes à la plage. Émotions qui claquent aux oreilles. Et moments de grâce improvisés. Élans collectifs, dérapages sans complexes, de la joie, du bonheur d’être ensemble. De la précarité à plein poumon, des travailleurs sociaux, des musiciens, des non musiciens, des conquis, des ébahis. Des mal-logés, des mal-lunés, des maladroits, des trop adroits, des grands vides, des trop pleins. Des vies, des parcours, des accidents de parcours. Du cœur, des larmes, du rire, des doutes, de la vie.

Création, résidence et coproduction La Garance

Danser, révéler ainsi « le subliminal », pour défendre la liberté qu’il ne cesse d’asphyxier ! « Éclatées, fougueuses, audacieuses, graves ou drôles, les créations de la compagnie sont à l’image du quotidien, des périodes de vie, parfois chaotiques, parfois révoltées, parfois follement euphoriques, mais toujours à fleur de peau ». Cette pièce, s’interrogeant sur l’image et sa puissance, est le second volet d’un diptyque. Le premier était Sublime, créé à La Garance en novembre 2015.

À chaque seconde de notre vie et en tous lieux, les images fixes ou animées nous entourent, subrepticement, nous touchent, nous impactent, parfois violemment même, mais peut-être pas suffisamment pour que nous en prenions conscience. De manière « subliminale », certaines nous conditionnent, nous manipulent jour après jour. Elles nous confortent dans une quête de bonheur matériel, illusoire, nous plongent dans une insécurité anxiogène, et renforcent un monde toujours plus individualiste. Aujourd’hui,
l’image suscite le doute. Qui se cache derrière elle ? Quelle idée du monde défend-elle ? Quel message subliminal veut-elle nous imposer ? Nous subissons l’image. Qui croire ? En qui avoir confiance ? De quel côté sommes-nous ? Subliminal s’articule autour de la notion de perception, jouant sur le décalage, sur le décadrage, la démesure, la dérision, le décentrage entre l’espace, le corps et le son. Dans quelle mesure est-il possible de générer des émotions choisies, voire de manipuler ainsi l’individu qui enregistre inconsciemment le message créé ? Et en toute innocence.

Création, résidence et coproduction La Garance

Fondé en 2006 par quatre musiciens issus du Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon et de Paris, le Quatuor Béla se réunit autour du désir de défendre le fabuleux répertoire du XXe siècle. Curieux, enthousiasmés par la diversité des courants de la création contemporaine, ces musiciens s’associent très souvent à des figures artistiques emblématiques : le rockeur Albert Marcoeur, le griot Moriba Koïta, le maître du oud Ahmad Al Khatib… et la chorégraphe Josette Baïz aux côtés de laquelle ils ont présenté Spectres, à La Garance, en novembre.

« Rien de plus naturel que de vouloir jouer la musique de son temps. La fréquentation d’un répertoire en perpétuelle mutation – qui interroge nos références culturelles à chaque oeuvre – nous invite à une permanente remise en question. Il nous incombe de faire exister cette formation avec la même vivacité, la même audace que par le passé. N’est-elle pas, depuis deux siècles et demi, le creuset d’où les compositeurs ont tiré leurs pages les plus expérimentales et les plus intimes. En compagnie des créateurs d’aujourd’hui, nous tenons à enrichir les musiques électroacoustiques, improvisées, actuelles, traditionnelles. Nous réfléchissons sur les espaces scéniques et la relation avec le public. Nous cherchons à ne pas nous figer sur nos cordes, mais à saisir ces sensibilités qui font la diversité de l’art contemporain. Nous avons à coeur de réussir ce grand écart entre tradition et modernité. »
Le Quatuor Béla

« 4 jeunes garçons qui savent tout jouer avec deux violons, un alto et un violoncelle. Vous sculptez les sons sur des chemins tordus, vous faites découvrir des compositeurs d’avant-garde et ça ne vous fait même pas peur, vous rendez accros à Ligeti, à Cage, à Crumb, vous êtes des diables, dealers de bonnes fréquences et d’expériences harmoniques. »
Aurélie Sfez, France Inter.

A l’occasion de la venue du Quatuor Béla, La Garance poursuit de précieux partenariats avec l’Université Populaire d’Avignon et le Conservatoire de musique à rayonnement communal de Cavaillon.

Université Populaire d’Avignon (UPA)
Depuis bientôt 10 ans, l’Université Populaire d’Avignon invite toutes les personnes qui le souhaitent à suivre chaque année un cycle de conférences à l’université d’Avignon. Organisée par une équipe de bénévoles réunis en association depuis juin 2005, l’UPA est totalement autonome : elle n’est pas une institution, elle n’est pas un service officiel de l’université, et elle ne sollicite aucune subvention. C’est une expérience originale dont l’activité majeure vise à la diffusion de la culture scientifique et à la vulgarisation de qualité des savoirs dans un esprit associatif et bénévole d’émancipation sociale et populaire.
L’UPA voudrait notamment être : un espace public (des cours ouverts à tous, sans aucune condition de diplôme, de niveau ou d’âge), un espace démocratique (ces cours sont organisés par une association), un espace de gratuité totale (enseignants totalement bénévoles, auditeurs ne payant rien et n’ayant pas à s’inscrire ou à adhérer pour suivre les cours — auditeurs comme professeurs : le plaisir est notre unique récompense !), un espace dans lequel on peut entendre des argumentations et des réflexions de qualité, compréhensibles par tous.
Les cours ont lieu tous les mardis soirs à partir de 18h30 dans des locaux de l’Université d’Avignon, hormis les périodes de vacances scolaires, de la mi-octobre à la fin mai.
Plus d’informations sur le site web de l’UPA : www.upavignon.org

Le Conservatoire de musique à rayonnement communal
C’est un établissement labellisé, comme en témoigne son classement. Bien intégré dans la ville, il offre les meilleures conditions de découverte et d’apprentissage de la musique par une pratique individuelle et collective allant du répertoire classique aux musiques actuelles.Enseignement, diffusion et créativité s’y conjuguent dans des styles musicaux variés pour que tous les élèves apprennent, chantent et jouent selon leurs goûts et leurs rythmes. Le Conservatoire se caractérise aussi par son ouverture à tous les publics. Les partenariats, notamment avec les écoles de la ville, sont l’illustration de cette volonté.
Plus d’informations au 04 90 71 24 24

En dehors et sur la piste défile le monde enchanté de ces artistes, un monde bien à eux, un monde créé, à la lisière du cirque et des arts plastiques, débordant d’humour, d’une infinie délicatesse et d’une poésie parfois nostalgique : pas de danse endiablés sous le regard d’un cheval, musique, chant, voltige, art équestre, une femme étrange, cage à la main, à la poursuite des perruches Zou, Blanche, Albert, Farouche et Midinette, un corbeau-pie extravagant et malicieux… Les oiseaux en vol frôlent le public… Délicieux frissons… Nous nous glissons dans une grotte, nous nous trouvons une cachette et nous
rêvons éveillés.

Le Baro d’Evel, c’est une tribu qui invite le spectateur à partager une fantastique cérémonie à ciel ouvert malgré le chapiteau. Une tribu de femmes, d’hommes, de chevaux et d’oiseaux. Dans cette promiscuité poétique, dans ce monde qui ne cesse de danser, de virevolter, une fable fragile se tisse. Tout et tous se transforment. Qui sont les femmes et les hommes ? Qui sont les animaux ? Qui mène la danse ? Le sens de cette fable se trouve dans cette mosaïque d’émotions ressenties qui émerveillent le spectateur.
Et, tout à coup, chacun se crée son monde bien à lui. Celui d’une enfance que l’on retrouve. Celui d’une enfance que l’on aurait aimé vivre. Les créations de cette compagnie naissent toujours d’un coup de rein vers l’improbable aux frontières entre l’intime et l’exploit, avec sans cesse un regard assidu vers la simplicité, jamais vers l’ostentatoire.

Lors d’un voyage à l’étranger, deux frères découvrent avec stupéfaction l’existence de deux autres frères. Rencontre bouleversante. Des routes qui se croisent par l’entremise rieuse du hasard. En un instant, repères et croyances sont renversés. Un face à face, imprévisible, foudroyant où ces quatre étrangers tentent de fraterniser. Tout les éloigne et c’est dans un amalgame de doute, de suspicion, de curiosité, de méfiance, de colère, de silence et parfois même de rejet, que chacun tente d’approcher et de se saisir de l’autre.

Cette pièce explore la figure de l’insoumis. De celle ou celui qui avoue une énergie spéciale, un courage insurrectionnel pour opposer sa volonté à l’injustice, à la pression morale. De celle ou celui qui rompt la continuité et révèle la nouveauté. L’insoumis est le guide de ce périple « épique », de la rencontre fortuite de quatre hommes, amenés à se livrer corps et âmes. Quatre interprètes, quatre frères, quatre étrangers se partagent le plateau, pour une mise en abyme de leurs destinées, entre autobiographie et fiction. La partition musicale originale d’Ibrahim Maalouf vient soutenir ce récit avec violence et tendresse. Un corpus de scènes comme autant de fragments et de différents points de vue sur cette histoire subjective, à travers laquelle Christian et François Ben Aïm questionneront fraternité et insoumission. Une oeuvre chorale, composite donc, tel un kaléidoscope, entre construction et déconstruction, qui interroge ce qui conditionne notre destin et notre extravagance à le déjouer.

Deux concerts, un plateau partagé par deux formations essentielles à la musique actuelle française et internationale.

Rover

Vous avez aimé la force d’Aqualast en 2012 ? Vous allez adorer la mélancolie et la perfection de Let it Glow, second album oxymore de Rover. Un album pop-rock incontournable, non pas de son époque mais pour son époque. L’artiste, ce géant au coeur tendre, laisse pourtant échapper une voix d’ange envoûtante, qui brille et résonne dans des chansons cristallines, rocailleuses même, enregistrées en… analogique. Un album qui a le privilège des accidents, de l’instinct, du laisser-aller. C’est Bowie, Lennon, tous ceux qu’on voudra bien retrouver. Mais, c’est avant tout, la griffe de Rover, et de lui seul.

Frànçois & The Atlas Mountains

Frànçois Marry, garçon discret, est aussi un peintre, quand il ne s’abandonne pas à une pop claire et mélodique, parfois symphonique, issue de la pop anglo-saxonne autant que de la chanson française. Son précédent album, Piano ombre, qui signifie « du calme ombre », était teinté de références : Dominique A, Elli et Jacno, Holden… Toutes ses créations sont pourtant d’une personnalité rare : voix androgyne, chant caressant, textes dont la fausse naïveté cache de vives inquiétudes, interrogations sur les rapports amoureux, sur ce lien si mystérieux entre l’avenir et le passé, mélodies répétitives, incantatoires, presque chamaniques. Un quintet d’exception dans un monde si uniforme.

Amoureux du mouvement, des danseurs, de ces instants exceptionnels quand le geste bascule dans le rôle, Michel Kelemenis articule, tout en alliant finesse et performance, ses créations autour de la recherche d’un équilibre entre abstraction et figuration. Enfant, gymnaste, la transposition des acquis de cette discipline dans la danse, du sportif vers l’artiste, s’est effectuée spontanément, à la façon d’un jeu : le plaisir du geste clair, assimilé, sublimé. La danse a précipité, exalté naturellement ce qui était en lui. Le désir d’écrire la danse est allé de pair avec celui de la danser.

La Barbe bleue ? Qui ne se souvient pas de ce conte de Charles Perrault ? De cet homme à la barbe bleue, aux reflets de monstre, de cette chambre secrète et interdite, de cette clé sanglante, de ces six femmes volages assassinées ? Conte qui comme tant d’autres a structuré notre imaginaire d’enfant en nous inoculant que la curiosité était un bien vilain défaut. Là, Michel Kelemenis et ses danseurs prennent « le conte à rebours » : La Barbe Bleue n’est plus cet homme sanguinaire, dominateur et assassin mais une jeune femme séduisante, vêtue de bleu, une jeune femme à la fois désirable et cruelle se jouant des hommes qu’elle séduit. « C’est dans cette ambiance, entre vouloir et refuser que j’ai beaucoup travaillé, explique Michel Kelemenis. Ma Barbe Bleue est une femme
absolument sublime mais elle crée de la peur chez ses différents partenaires ». La symbolique du conte est alors bouleversée. Et vous ? Comment en serez-vous bouleversés ? Car vous le serez.

Les maisons hantées ne sont pas toujours en Écosse, surmontées de girouettes grinçantes agitées par un vent sauvage ! Elles sont partout, souvent juste à côté de chez nous. Elles sont appelées les banlieues, les cités, les ZUP, les ZEP, les quartiers, les quartiers dits sensibles, les quartiers populaires. Ces endroits où beaucoup de fantasmes se projettent, où les peurs se cristallisent. Toutes ces appellations, ces identités flottantes, en disent long sur la difficulté de nommer « la chose ». Ces quartiers aujourd’hui paupérisés qui, il y a cinquante ans, étaient encore des lieux d’espoir et d’avenir.

Après de nombreuses années d’absence, en pleine tourmente personnelle, Nadir tente de retrouver un semblant de tranquillité et d’échapper à la réalité de son quotidien. Il décide de revenir dans la cité de son enfance pour se rapprocher des siens et s’occuper de son père qui n’a de rêve que de repartir mourir au pays. Nadir se retrouve englouti dans un intérieur où tous les miroirs sont déformants, peut-être dans un asile pour fous, au côté d’une famille engluée dans ses paradoxes et son aveuglement. Vertiges est une fable à la fois drôle et cruelle sur ce qu’est devenue notre république. Une plongée onirique au coeur d’une famille, d’un quartier, là où aujourd’hui se sont fanés l’espoir et l’avenir. Nadir tente de renouer avec les fils de son identité. Mais y parviendra-t-il ? Ou se sentira-t-il comme un étranger auprès de ses proches, dans la cité de son enfance ?

vendredi 7 avril à La Gare de Coustellet
Scène Découverte hip-hop, BILLIE BRELOK + Chevalien + Mc Odysé
Réservations auprès de la Gare

Une soirée pour découvrir la jeune scène hip-hop dans toute sa splendeur… Un mouvement hip-hop inventif et pluriel : musique, danse, vidéo, slam, expo…, à l’image de l’artiste Billie Brelok, invitée coup de coeur de cette soirée !

Billie Brelok
Jeune rappeuse de Nanterre aux racines ancrées dans les terres de Lima (Pérou), pas question de se cacher derrière les mots. Les mots, ses mots, elle les fait exploser en plein vol dans le flow d’une parole libre et anticonformiste. Ses textes, c’est un harakiri permanent qui n’a pas le temps de cicatriser. Un magma givré et langoureux qui caresse la hanche du Vésuve avant de se planter dans le sol comme un couteau rouillé.

Chevalien, une musique entre électro sombre et hip-hop ténébreux, un univers presque apocalyptique, pour faire parler les contrastes.

Mc Odysé, artiste émergent de la scène hip-hop et membre fondateur du collectif Bob Lunet, commence à faire parler de lui par ses prestations aux quatre coins de l’hexagone en improvisation.

samedi 8 avril à La Garance
Concert événement
GEORGIO + Billie Brelok (en première partie)

La personnalité de Georgio, ce jeune Parisien, est étonnante. Sa passion et sa maîtrise de l’écriture remarquables. Ses mots ciselés et justes, lui permettent d’aborder, avec pertinence, des thèmes forts et sociétaux, devant un public toujours grandissant. Les amateurs de rap apprécieront, mais ils ne seront pas les seuls. Le collectif Fauve, impressionné par sa plume, sa personnalité l’a gratifié d’une invitation
sur son premier album Vieux Frères, sur le titre Voyous, et lui offrait régulièrement le micro lors de ses concerts.
Georgio sera en concert à L’Olympia le vendredi 24 mars 2017.

Dans Mon cœur, plusieurs histoires emmêlées mettent en lumière l’un des plus importants scandales sanitaires français, révélé en 2009, par Irène Frachon, médecin pneumologue, à Brest : le Médiator. Ce médicament conçu à l’origine pour soigner le diabète était en réalité « couché sur ordonnance » comme coupe-faim, prescrit à tour de bras avant l’été. Les victimes, principalement des femmes en surpoids. L’histoire de ce poison met en lumière les normes physiques auxquelles nous sommes assujetties. Pose la question du lien entre nos vies intimes et la société. Révèle la politique de santé du pays dans lequel nous vivons. Interroge les liens serrés entre les laboratoires pharmaceutiques et ceux qui les contrôlent. Déploie la corruption rampante qui existe en France entre le monde politique, le monde médical.
Et pourtant il s’agit de notre vie, non ?

2006 : Claire, 38 ans, s’effondre un soir devant son fils, âgé de 7 ans. Elle est opérée à cœur ouvert.
2010 : Une femme comprends que c’est à cause de ce poison qu’elle dort devant la télévision allumée pour ne pas entendre les battements de son cœur artificiel… Ce combat reste d’actualité. D’abord pour faire interdire le médicament, pour que les souffrances des victimes soient reconnues. Le procès du Médiator, reporté plusieurs fois, est prévu pour 2018.

Coproduction La Garance

Parce qu’il faudra lâcher les coups.
Parce qu’il faudra abandonner une partie
pour sauver le reste.
Parce qu’il y a urgence.
Parce que c’est violent, passionné, salvateur.
Parce qu’il y est question de nos limites
et de notre désir d’infini.
Parce qu’il faudra se sauver.
Parce qu’un Homme, ça s’empêche.
Parce qu’un Homme, ça s’emporte aussi.

Une danse comme une renaissance à la vie. Une danse énergique, salvatrice, sensible et sensuelle. Une danse comme le cri d’alarme pour le combat d’une vie. Une danse pour tenir debout toujours. Une danse pour passer de la violence subie à la liberté l’expression, de l’aliénation à la liberté de vivre. Le spectacle s’ouvre par des tirs et des corps qui tombent. En fond de scène une ouverture de lumière sur un monde sombre ? Une porte ? Un échafaud ? Dehors, dedans ? Des corps qui sautent, basculent, tombent, s’enlacent, se heurtent en rythmes saccadés ou lents, un par un. Coups de poings, tirs d’armes, chutes, morts et renaissance, et des danseurs qui sont liés par une même phrase chorégraphique et musicale jouée en direct qui enfle, accentue la sensation lourde, inquiétante et pourtant pleine de vie. C’est véritablement une danse comme une renaissance à la vie, pour la liberté de vivre.

« La danse déborde d’énergie et de poésie, les images se font fascinantes. « Feu » est en prise avec la violence de notre monde, la chorégraphie porte des images symboliques. Le spectacle est saisissant, prenant, magnifique. La Vouivre convoque la violence du monde pour nous y inciter à résister, elle appelle à l’entraide pour survivre. « Feu » est un spectacle accompli et peaufiné jusque dans ses moindres détails. La beauté conjuguée à une expression d’une troublante liberté. »
Robert Guinot - La Montagne

Coproduction La Garance

Aujourd’hui encore, la marionnette renvoie à un spectacle pour enfant. Il n’en est rien. Elle a de tout temps, partout dans le monde, joué un rôle essentiel dans la vie des peuples. Guignol, créé au début du XIXe siècle, est la voix du peuple, cette figurine apparemment innocente raille le pouvoir. Aujourd’hui, à Bali ou Java, la marionnette a toujours une place sociale primordiale, accompagnant événements familiaux et fêtes populaires.

De nouvelles générations d’artistes proposent des spectacles inventifs, fantasques. Ils aiment à s’aventurer dans d’autres champs artistiques (théâtre, danse, cirque...), à explorer le métissage des formes, des techniques (vidéo, numérique...) et contribuent ainsi au renouvellement, au dynamisme de cet art.
Par ce festival, nous désirons vous faire (re)découvrir la marionnette d’aujourd’hui.

Marionnettes en liberté, c’est :

 quatre spectacles, dont deux pour le public familial
Bouh !, de Simon Delattre
Mécanique, de la compagnie Anima Théâtre
Une poignée de gens..., du Vélo Théâtre
R.A.G.E, de Camille Trouvé / Les Anges au plafond

 deux expositions
Rue de la marionnette, qui révèle, avec la complicité des commerçants de Cavaillon, l’extraordinaire collection de marionnettes de tous les temps d’un Cavaillonnais passionné, Olivier Morand
Portraits manipulés de Christophe Loiseau, un photographe qui à travers le monde a saisi le travail de marionnettistes.

 un atelier de manipulation, animé par Simon Delattre