Cette soirée d’ouverture et de présentation de saison sera de toute évidence une soirée émouvante. Tout d’abord, parce que nous nous retrouverons rassemblés à La Garance, ensuite, parce que nous vous présenterons la programmation de la saison, avec l’espoir qu’elle vous surprendra agréablement, avec l’espoir même qu’elle vous enchantera.

Lors de cette soirée, que nous souhaitons singulière pour chaque saison, de nombreux artistes compagnon(ne)s seront à nos côtés, d’une façon ou d’une autre, pour vous accueillir et vous rencontrer. Nous aurons également le plaisir de vous faire découvrir les nouveaux aménagements du hall de La Garance réalisés pour vous accueillir de manière plus chaleureuse encore.

Le trio de jazz TAB, accompagnera cette soirée, avec Alex Beaurain à la guitare, Frédéric Becker au saxophone et Stephen Pougin aux percussions. Ces musiciens franco-belges forment un ensemble sonore extrêmement riche et coloré. Un ensemble propice à la fête !

Bien sûr, à l’issue de la présentation de saison, les artistes et l’équipe vous retrouveront autour d’un apéritif…

Voilà plus de 20 ans que la Fondation Abbé Pierre accueille, accompagne, soutient et écoute des femmes et des hommes en situation de grande précarité. Elle lutte quotidiennement pour que ces personnes défavorisées, ayant trébuché contre la vie, accidents qui peuvent un jour ou l’autre frapper chacun d’entre nous, retrouvent un toit, de quoi se nourrir, se vêtir, un emploi et redécouvrir une toute première dignité. Si, bien sûr, cela est plus que nécessaire, il est tout aussi indispensable de faire (re)venir ces personnes à la culture, en tant que spectateur ou créateur, pour parfaire cette dignité, retrouver petit à petit mais sûrement le chemin de la considération de soi, de celle des autres, de la citoyenneté, de l’espoir en demain… de l’humanité.

Il est primordial pour nous aujourd’hui de mettre en lumière les créations des acteurs des différents ateliers artistiques mis en place par la Fondation Abbé Pierre dans les Pensions de famille et les Boutiques Solidarité travaillées tout au long de l’année, avec le soutien d’un artiste reconnu.

La Fondation Abbé Pierre, La Garance et l’association Le Village ont mis en œuvre le festival C’est pas du luxe ! – aujourd’hui une biennale – dont les deux premières éditions se sont déroulées avec succès, en septembre 2012 et 2013, au Thor.

La 3e édition du festival, chaleureusement accueillie par la ville d’Apt, s’articulera autour de 32 projets artistiques (théâtre, spectacles de rues, expositions, danse, films...) présentés par les Boutiques Solidarité, Pensions de famille et associations partenaires de la Fondation Abbé Pierre, mais aussi d’ateliers, de forums, d’une création collective in situ accessible à tous, etc ; et le vendredi soir, deux grands concerts de soutien à la Fondation, seuls moments payants du Festival.

 télécharger le programme complet du Festival

Première chanteuse en Égypte, première en Orient, première représentante du « tarab », pratique musicale chère à la tradition orale arabe, Oum Kalthoum traverse
toutes les époques et sa voix est toujours là-bas au sommet. Elle est le sentiment même du monde arabe, sa respiration, son souffle. En égyptien, avoir du « mazaag », c’est éprouver un sentiment de plaisir et de sérénité, sortir du temps pour entrer dans un infini éternel… le « mazaag », c’est aussi se laisser emporter par les charmes de la Diva. Oum Kalthoum meurt le 3 février 1975 au Caire.

La voix d’Oum Kalthoum a aussi bercé l’enfance d’Ibrahim Maalouf. À l’occasion du quarantième anniversaire de la disparition de la Diva, rien ne pouvait être plus respectueux pour cet artiste que de lui rendre hommage en reprenant en quintet l’un de ses grands succès : Alf Leila wa Leila - les Mille et une Nuit une véritable symphonie célébrant au plus haut point la voix de la cantatrice, oeuvre majeure, enregistrée en 1969, pourtant encore si peu connue sur les autres continents. Les arrangements qu’Ibrahim Maalouf réalise en compagnie de Frank Woeste teintent d’un jazz plus conventionnel cette ivresse orientale que Oum Kalthoum incarnait si bien, laissant s’installer un dialogue rare entre la tradition arabe séculaire de l’improvisation, mélodique et incantatoire, et la frénésie d’un jazz dont l’écriture nord-américaine fait la part belle aux rythmes et aux harmonies les plus complexes.

Antoine Le Menestrel passe son temps à « s’élever », à cheminer en hauteur. Il est vivant ainsi. Danseur ainsi. Grimpeur ainsi. Acrobate ainsi. Mais, pour cette création,
il laisse ses pieds au sol afin de pleinement chorégraphier l’œuvre et de créer la rencontre entre plusieurs pratiques, plusieurs corps, plusieurs artistes : danseurs, acrobates, traceurs. Son désir d’artiste ? Déconstruire le langage de la verticalité, imaginer une croissance sans sommet, rééquilibrer le haut avec le bas. Pour cela, il fait également appel à une partition sonore, poétique qui apporte profondeur et relief à l’écriture chorégraphique, en s’appuyant sur des textes de Samuel Beckett, d’Albert Camus et de Rémi Checchetto, auteur et poète contemporain.

Le Parkour ? C’est un art du déplacement où le « traceur » prend appui sur le sol pour rebondir. Une pratique qui se révèle, depuis les années 80, avec le film Yamakasi d’Ariel Zeitoun en 2001. Un déplacement dans une liberté vertigineuse, sans quête de sommet, dans tous types d’environnement. Seule la trace est valorisée. Associer cette discipline à la création, c’est exalter le mouvement dans sa propre lumière. L’acrobatie ? Les acrobates sont des artistes qui marchent sur les sommets. Étrangement, ils imposent là des immobilités improbables tout en affirmant une liberté, une remarquable continuité acrobatique dans l’espace. La danse verticale ? Elle permet de faire corps avec l’architecture, de se recréer sans cesse, de recréer le lieu même, en lui offrant une toute nouvelle âme. Ces pratiques singulières se retrouvent et se redécouvrent dans l’engagement, la prise de risque.

La guerre virtuelle ou dans les médias, qu’est-ce que ça nous fait ? Terreur, indifférence, révolte, fascination parfois ? Et comment en parler au théâtre ?

Le père que l’on croyait mort rentre d’une guerre, peu importe laquelle, aveugle. Vainqueur ou vaincu, ça n’importe pas non plus. Il espère retrouver sa femme et ses filles telles qu’il les a laissées, mais rien n’est comme avant, la famille va devoir se reconstruire. Suivant la trame de la pièce Guerre de Lars Norén, entrecoupé d’improvisations et de leurs propres écrits, voici un spectacle composé par de jeunes/citoyens/acteurs fraîchement issus de l’Ecole Régionale d’Acteurs de Cannes. Ils ne jouent pas seulement la pièce, ils parlent avec elle et lui répondent. Au travers de l’histoire de cette famille abîmée, ils s’interrogent sur leur rapport au monde, aux guerres et aux images de guerre, au privilège d’être ici et pas là-bas. Ils quittent l’enfance dans un décor de jeux d’enfants. Ils parlent de leurs espoirs aussi, de leurs aspirations énergiques et de ce qu’il "reste" de beauté et d’harmonie dans la nature, les livres et les arts.

Reste(s) est la première mise en scène de cette jeune diplômée de l’Ecole Régionale d’Acteurs de Cannes, les comédiens sur le plateau étant issus de la même promotion (2012 – 2014). Le spectacle a vu le jour grâce à la mobilisation de la Friche la Belle de Mai et de l’ERAC qui ont décidé d’accompagner les premiers pas de ces artistes. La Garance s’associe à cette démarche de professionnalisation en l’accueillant dans sa programmation.

Depuis 2008, Boris Gibé et Florent Hamon interrogent le croisement entre danse, cirque et cinéma. À travers l’image filmée, comment le mouvement peut-il devenir un récit ? Comment le corps peut-il servir la poésie ? Leur recherche a donné naissance au projet Mouvinsitu, invitant le spectateur à une déambulation aux croisements de différents langages visuels. Boris Gibé et Florent Hamon sont des faiseurs d’illusions. Inversant les points de vue, jouant avec les perspectives, bouleversant les repères, ils emmènent ainsi le spectateur vers une terre intrigante et poétique où la réalité se désagrège au contact de la fiction, du rêve et de l’imaginaire.

Les deux artistes se sont imprégnés de l’ambiance singulière qui flotte dans les lieux abandonnés pour en saisir toutes leurs beautés. Sur scène, un no man’s land, en proie aux vents, dans lequel ils dansent et se contorsionnent dans des costumes en papier, nous rappelant ainsi que notre monde est envahi d’images et qu’il faut de toute urgence s’efforcer de lui redonner chair. Au langage du corps s’ajoutent celui du son et de la lumière qui créent une atmosphère fascinante dans laquelle le spectateur se perd avec une envie curieuse. Entre glissements inconscients, dédoublements burlesques, perte d’identité, vertiges, cette exploration chorégraphique propose la mise en abîme d’un rêve et décortique sous nos yeux la machinerie, la fabrication « In situ ».

« L’homme à la voix royale a fait don de son corps au groove vocal et percussif. Une manière de garder l’Afrique en son cœur, tout en lui offrant un rebondissement planétaire.
Harmonies aériennes de voix sœurs, beat de bouche et de mains, le petit-cousin africain d’un Bobby McFerrin a devant lui des espaces infinis… » Rémy Kolpa Kopoul

Petit chapeau melon à la Charlot sur la tête d’où s’échappe une futaie de dreadlocks et gibus à rayures sur chemise blanche dignes d’un incorruptible des années 30 : Faada Freddy possède un style bien à lui. Son allure ne lui confère pas seulement cette distinction de « street dandy » mais donne aussi le ton de Gospel journey, un premier album joliment stylé, sans âge quoiqu’éminemment moderne. Cet album fait sans autre instrument que la voix et des percussions corporelles, est un subtil mélange des harmonies vocales d’un « Bobby McFerrin » et de mélodies pop avec un timbre de voix Soul à la « Otis Redding ». Son premier EP (Extended Play), sorti au printemps 2014, a suscité l’enthousiasme de personnalités musicales aussi éclectiques que Zaz, Lenny Kravitz, Bernard Lavilliers, Imany, Grand Corps Malade…

Joe Bel, Hit the roads

Á l’automne 2012, Joe Bel fait une entrée remarquée sur la scène soul/folk avec son EP acoustique In the City. Après des tours de chant en Europe puis à l’Olympia, en première partie d’Asaf Avidan, mais aussi dans des lieux insolites, chez l’habitant – tournée Home sweet tour #1, orchestrée par la Gare de Coustellet en mars 2014 – elle sort début 2015 son deuxième EP, Hit the roads, qui s’enrichit de basses vibrantes, de rythmes intenses et de pianos inspirés et habités.

Meursault, contre-enquête est le premier roman de Kamel Daoud, essayiste, journaliste très connu en Algérie pour sa chronique quotidienne Raïna raïkoum « Mon opinion, votre opinion » dans « Le Quotidien d’Oran ». L’auteur a eu l’idée pertinente d’inventer un personnage prolongeant la victime anonyme de Meursault, afin d’écrire un hommage en contrepoint au roman d’Albert Camus et, en même temps, un plaidoyer désespéré pour un sursaut algérien.

Hadjout, en Algérie, de nos jours. La nuit. Dans la cour d’une maison abandonnée, une tombe, un citronnier, une vieille femme et son fils, Haroun. Un fantôme aussi. Celui d’un pied noir, Meursault, le héros de L’Étranger, célèbre roman d’Albert Camus qui se résume ainsi : un trentenaire algérois assassine, en 1942, sans raison un « Arabe » sur une plage, meurtre pour lequel il est condamné à mort. C’est le spectacle de deux colères, celle de la mère qui veut honorer la mémoire de son fils défunt par la vengeance, les chants, les cris, quitte à faire reproduire par son autre fils le meurtre absurde, étranger, de Meursault. La colère aussi de ce frère, conteur malgré lui, dont les paroles traduisent la fièvre haute en couleurs, le sarcasme, la révolte mais aussi le désarroi et la perdition à l’image d’une certaine jeunesse algérienne. S’il raconte l’histoire de son frère assassiné par « un homme qui savait raconter », il expose surtout l’histoire de sa vie passée à se débarrasser du poids du cadavre de son frère dans « l’Algérie d’après ». Mais Haroun n’est-il pas le double de Meursault ? Son frère d’Histoire et de destin ?

Paru en 1973, le disque The dark side of the moon, enregistré dans les studios mythiques d’Abbey Road, marque le rock et participe pleinement à l’édifice de son Histoire. Cette oeuvre fait émerger le mouvement underground, revendique ses racines européennes, délaissant ainsi les influences américaines et puise de nouvelles inspirations dans la musique classique et contemporaine. Les jeunes aujourd’hui découvrent la musique du groupe par l’album et le film The Wall, puis, avec The dark side of the moon, ils constatent que leurs préoccupations, le désenchantement adolescent, touchent déjà ces artistes de la génération de leurs parents.

Sous la direction de Thierry Balasse, des musiciens relèvent le défi de faire renaître sur scène cette oeuvre essentielle, dans son intégralité, avec une perfection et une précision inouïes. Cette « recréation en direct » est encore loin d’être concevable en 1973 et un concert est d’ailleurs annulé en raison d’une panne de magnétophone. Pour la fidélité de l’œuvre, ces « recréateurs de sons » partent en quête des instruments des années 70, du synthétiseur AKS à l’orgue Hammond, jusqu’à la caisse enregistreuse du célèbre titre Money et… le tic-tac des pendules d’On the run. Le Théâtre est un véritable studio où le public découvre les gestes de recherche et les outils de création de cette époque, à quelques pas de David Gilmour, Richard Wright, Nick Mason, Roger Waters, au coeur des studios d’Abbey Road, bien que plus de quarante années se soient écoulées. Le numérique d’aujourd’hui révèle l’analogique en plein essor en 1973.

Fondé à la fin du XVIIIe siècle, l’Orchestre Régional Avignon- Provence participe pleinement à la vie musicale française, en accomplissant des missions de service public. Fort de ses deux cents ans d’existence, il est aujourd’hui une vitrine culturelle incontournable : il interprète toute l’histoire de la musique orchestrale, de la musique baroque aux musiques actuelles, notamment Pascal Dusapin, Marcel Landowski, György Ligeti, Toru Takemitsu, Éric Tanguy, offre une profonde intelligence musicale, une rare souplesse dans l’approche de toutes les oeuvres, apporte son concours à un territoire régional dont le patrimoine culturel et l’histoire musicale, tant passés que présents, sont parmi les plus riches d’Europe et… rayonne en France et à l’étranger.

Sous la direction de Samuel Jean, avec Cordelia Palm son « concertmeister », l’ORAP célèbre le grand répertoire classique et romantique. Comme un clin d’oeil lancé à la postérité musicale, Mozart prélude au concert avec l’ouverture des Noces de Figaro. Avec douceur, avec tendresse et avec une parfaite maîtrise de l’écriture orchestrale, Mendelssohn offre aux violonistes virtuoses de tous les temps une œuvre de pur rêve éveillé avec son concerto pour violon en mi mineur. Beethoven se fait le passeur de la symphonie classique à la symphonie romantique, avec sa première symphonie. Sous les apparences formelles, la masse orchestrale gronde et les conventions harmoniques se rebellent.

Wolfgang Amadeus Mozart Ouverture des Noces de Figaro
Felix Mendelssohn Concerto pour violon en mi mineur, opus 64
Ludwig van Beethoven Symphonie nº1 en ut majeur, opus 21

En janvier dernier, sur le plateau de La Garance, Pauline Bureau interrogeait avec Modèles la place de la femme dans la société. Cette saison, avec Sirènes, elle crie les silences, clame les non-dits, dévoile au grand jour les mystères, défroque ces secrets de famille qui ne cessent de faire des ricochets de génération en génération. Comment raconter ce qui a été minutieusement caché et qui s’est transmis malgré tout ? Qu’est-ce que l’on reproduit et qui pourtant ne nous appartient pas ? Comment l’histoire de nos vies s’imbrique-t-elle dans la grande Histoire ? N’est-ce pas en parlant que l’on retrouve sa voix, que l’on peut poursuivre sa voie ?

En voyageant autour de ces questions, les interprètes ont collecté des matériaux, à partir de leurs propres souvenirs d’enfance mais ont également puisé dans la littérature, le cinéma, la chanson. Sur le plateau, un arbre généalogique aux ramifications étranges. Plusieurs continents. Des secrets de famille en pagaille. Des fantômes. Des vies. Et ces trois sirènes qui chantent une histoire parfois triste, parfois joyeuse, toujours intime, nous détournent ainsi de nos chemins convenus, et nous invitent par petits bouts à redécouvrir des espaces poétiques. « La part des anges est la partie du liquide, éphémère, qui s’évapore quand l’alcool est mis en tonneau pour vieillir ». La part des anges est aussi une compagnie, une aventure collective, une quinzaine de personnes, presqu’une famille, qui au fil du temps, de façon de plus en plus personnelle, trouve le talent et l’ivresse de penser le théâtre ensemble. Sans secrets ?

De l’aveu même de Christian Rizzo, toute entreprise humaine est fragile. Les territoires de la création des zones d’intense fragilité. Dans une époque si rude, il ne cesse d’avoir l’envie de tout fragiliser à l’extrême. Se fragiliser, n’est-ce pas aussi accepter de faire une place à l’autre ? « Fragile » est le nom de son association artistique. « Association », cette autre appellation ne prouve-t-elle pas également à quel point le « travail ensemble » est précieux pour le chorégraphe plasticien. D’après une histoire vraie, succès au Festival d’Avignon 2013, avoue une fois encore que jamais il ne trahit ses désirs d’humanité.

Quelques brèves minutes d’un spectacle suffisent parfois à laisser des traces ineffaçables. Christian Rizzo actuellement chorégraphe et directeur du Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Roussillon découvre avec émotion, en 2004 à Istanbul, une bande d’hommes qui exécute une danse folklorique. Est-ce la danse ou bien le vide laissé par la disparition soudaine des danseurs qui le
bouleverse ? Ce souvenir le tient au corps et à l’âme. Dès lors, le spectacle doit exister. Accompagné de huit danseurs, aux corps fragiles, exaltés par une envie collective, et de deux musiciens, le chorégraphe trouve un espace où le mouvement et la musique se jouent du « populaire » ou du « contemporain ». Une danse qui prend appui sur des souvenirs de pratiques folkloriques, particulièrement masculine et méditerranéenne, vient provoquer son goût pour la chute et le toucher, permettant à chacun de tenir grâce à la présence de l’autre. Une danse collégiale qui creuse le sol en même temps qu’elle cherche l’élévation.

Le temps de ce projet, deux compagnies s’unissent : la compagnie romande, la Super Trop Top – qui présenta avec grand succès, la saison dernière à La Garance, Quartier lointain d’après l’œuvre de Jirö Taniguchi – et la troupe française O’Brother Company. Dans ce roman Russe d’Ivan Gontcharov, publié en 1859, le héros est un jeune aristocrate qui semble incapable de prendre des décisions ou d’effectuer la moindre action. Oblomov est dans la culture russe l’emblème de l’homme oisif, nonchalant, paresseux et médiocre, qui a renoncé à ses ambitions pour une léthargie rêveuse. C’est un mythe littéraire russe, aussi présent que Faust ou Don Juan chez nous.

Oblomov, petit propriétaire terrien, mène effectivement une existence végétative dont rien ni personne ne parvient à le tirer, ni ses amis, ni la menace de la ruine, ni même l’amour. Ce pourrait être le roman d’un échec, celui d’une société russe sclérosée, si Oblomov n’était qu’un dormeur. Mais son apathie dissimule bien autre chose : la beauté d’un idéal, une recherche obstinée du bonheur sans tapage, une fidélité tenace à un rêve d’enfance fait de douceur, un refus de marcher avec son temps. Aucun mensonge ne le séduit, rien ne lui fait suivre une fausse voie. Son âme demeure toujours aussi pure, limpide, honnête, pareille à celle de l’enfant. Ce personnage nous agace et nous fascine en même temps. S’il nous renvoie à nos retranchements, à nos peurs, à nos frénésies, il nous donne en même temps, dans son refus obstiné des conventions, une terrible envie de vivre, le goût de la liberté.

Un voyageur est une espèce d’historien : son devoir est de raconter fidèlement ce qu’il a vu ou entendu dire. Il ne doit rien inventer, mais aussi il ne doit rien omettre. Et quelles que soient ses opinions particulières, elles ne doivent jamais l’aveugler au point de taire ou de dénaturer la vérité
Chateaubriand, Itinéraire de Paris à Jérusalem

Pour ces Variations orientalistes, série d’interventions scéniques envisagée comme une revue, j’ai proposé aux quatre personnes qui m’ont accompagnée de près dans la création de Wagons Libres de monter sur scène pour venir y dire : je suis allé au Liban et au Liban, j’ai vu ceci, j’ai vu cela, alors qu’elles n’y sont, « en réalité », jamais allées. Dispositif critique de fiction par lequel nous revisitons la tradition du récit de voyage en Orient, héritée du XIXe siècle, mais en mettant en jeu nos visions, sensibilités, réflexes de pensées ou clichés d’aujourd’hui. Nous travaillons à repérer ce que nous « exotisons ». Un autre, une histoire, un territoire. Le Douanier Rousseau est notre figure tutélaire. Nous concevons ce travail de déconstruction/
reconstruction comme un travail essentiellement chorégraphique : c’est un « ordre chorégraphique », spatial et rythmique, de nos corps, gestes et documents, qui rapiécera ces fragments de récit équivoques. Partir de cette urgence : insister sur l’historicité et le caractère construit de nos productions. Éprouver, par le jeu, un vacillement, la fabrique de nos représentations.
Sandra Iché

Flux tendu
Performance pour cinq trapèzes. Dans la notion de Flux tendu, il y a l’idée du temps. Il y a aussi la notion de danger et d’équilibre instable. Choisir un agrès, donc choisir un langage, pour travailler sur toutes ces notions. En réponse à l’idéologie de l’ultra contrôle, de la perfection, Flux tendu chorégraphie les erreurs, les failles, les fragilités, décompose les mouvements, use de lenteur, de tremblements, de chutes, et s’amuse de tous les petits mouvements utiles, nécessaires de cette discipline
circassienne, qu’on a pour habitude de camoufler au regard. Se révèle alors une nouvelle façon de se mouvoir en l’air qui déstructure les chemins corporels traditionnels et offre au trapèze un nouveau langage, un autre cri…

The safe word
Cette création acro-chorégraphique, cruellement drôle, autour de la révolte est nourrie par des entretiens entre historiens et sociologues. De la sphère intime au champ social et politique, The Safe word aborde la question de tous les obstacles, pour interroger la place de l’Homme dans une société où la liberté semble se restreindre insidieusement. Des êtres… Qui se confrontent à un grillage… Qui finissent par danser dessus et au-delà… Qui tentent de fuir mais où… Qui se révoltent… Qui donnent des ordres idiots… Qui obéissent sans se poser de questions… Qui tentent d’exercer un pouvoir… Qui dansent pour éprouver leur besoin de liberté… Qui s’entravent eux-mêmes…

Dans le cadre de la 38e édition du Festival Les Hivernales, du 03 au 20 février

Jeanne Added étudie le violoncelle dès l’âge de sept ans au Conservatoire de Reims, puis, le chant lyrique au Conservatoire supérieur de musique et de danse de Paris section jazz et à la Royal academy of music de Londres. Forte de ces précieuses formations, elle évolue, en tant qu’interprète, dans le gotha du jazz, participe à de multiples projets mais s’en va, se sentant étriquée, pour un chemin plus personnel, intime.

Révélation des Transmusicales de Rennes 2014, aux côtés de ses deux complices, Anne Paceo, batteuse, et Narumi Hérisson, au clavier, Jeanne Added lève enfin le voile sur une personnalité longtemps contrainte dans des univers artistiques qu’elle estime trop lisses. Be sensational va naître, un album, produit par Dan Lévy (The Dø), pour refuser les renoncements et trouver le courage d’être soi-même. Un album qui déstabilise par son exigence et son foisonnement. Mélange de pop, rock, post-punk où l’électro s’immisce très fortement, brut en surface et riche en profondeur, il est la voix viscérale de l’urgence, le timbre d’une sincérité charismatique : il y a des fêlures, des ruptures, des cris. Sous une certaine rudesse parfois par le côté brut de son rock, la voix de Jeanne est touchante, prenante, saisissante.

Grandes Mothers, deux avignonnaises rendent hommage à nos grandes mères du rock. Rock acoustique et chanson folk dans la lignée de PJ Harvey, Shannon Wright… Deux contrebasses, deux voix, la force de la simplicité, et l’étonnement de faire naître des choses précieuses, essentielles. Duo symétrique soutenu par la Gare de Coustellet depuis plus d’un an dans leur travail de création et mise en réseau.

Septembre 2008. Sébastien Barrier, alias Ronan Tablantec présente Cirque cynique et maritime, dans le cadre d’une tournée Nomade(s). Ce conteur hors pair interpelle les gens et livre, avec une gouaille sans détours, sa vision du monde. Il est enfin de nouveau parmi nous. Et une fois encore, il nous enivre de son humanité, ivresse à consommer sans modération.

En camelot, bonimenteur, prêcheur, chansonnier, conférencier, il nous sert sans faux col sa vérité sur des vins naturels du Val-de-Loire, dont il nous fait humer le nectar, qu’il dépose sur nos lèvres pour enchanter nos papilles, par des rasades de mots, en images et en musique, vins qu’il nous offre dans ce verre tellement espéré. Mais, Sébastien Barrier s’attarde surtout sur les rencontres qu’il a faites avec ces vigneronnes et ces vignerons oubliés derrière l’étiquette, passionnés, philosophes,
généreux, amoureux de leur terre… Ces paysans qui depuis toujours et demain encore rêvent le vin, l’écoutent grandir, le veillent, l’accompagnent, le mettent au monde jusqu’à ce jour où des verres ballon se bousculent tendrement, dans un « tchin-tchin », véritable hymne national, avec tout autour des sourires pétillants qui débordent. L’authentique appellation d’origine n’est-elle pas celle d’une personne ? Qui buvons-nous ? Cet artiste, à la façon de ces hommes accoudés à un comptoir, nous parle aussi de ses expériences de l’ivresse, ses histoires d’amour, ses souvenirs parfois bouchonnés… Mais jamais il ne cesse de célébrer la vie par le « dit vin » et pour elle, lève son vers au plus haut.

Il y a des auteurs que l’on ne peut oublier. Et parfois la rencontre est si charnelle, que le lecteur a même le sentiment qu’il ne peut être oublié par l’auteur. C’est là l’intimité de Pierre-Jean Peters pour Albert Camus, auteur né en Algérie, prix Nobel de littérature en 1957, infatigable partisan de l’Humanisme. Ses écrits fascinent souvent des personnes, connaissant ou ayant connu une jeunesse agitée. Pierre-Jean Peters tout comme Abd Al Malik avoue devoir sa vie au théâtre et à Albert Camus. L’Étranger est une oeuvre qui revient sans cesse en lui, en flots de réminiscences. Elle est son chemin pour réussir sa vie d’homme. Cet hommage que ce créateur rend à Albert Camus était inévitable, un dialogue nécessaire, une harmonie entre deux hommes.

Pierre-Jean Peters incarne la figure d’Albert Camus, celle de son héros « Meursault » et celles des autres protagonistes du roman. Une lecture vertigineuse tout en jeu de miroirs qui emmène notre réflexion sur le son et la relation intime que nous entretenons avec la lecture : Qui parle ? D’où me parle-t-on ? Grâce au fruit d’un travail orchestral et intuitif, Pierre-Jean Peters et ses musiciens créent un subtil contrepoint entre texte et musique. La musique est une présence, une réponse essentielle, un complément planté dans la dramaturgie. Albert Camus est ainsi magnifié par cet univers sonore empreint de jazz et de rock tour à tour lyrique, abstrait, mélodique, bruitiste, rythmique, poétique. Parfois aussi des lueurs cinématographiques. Et en toile de fond, les années 1940, l’Algérie si chère à l’auteur

« Si les femmes s’arrêtaient de travailler 20 minutes, les alliés perdraient la guerre ! »
Maréchal Joffre

Une plongée dans la Grande Guerre, celle de 14-18. Pas dans celle des poilus. Mais dans celle des femmes ouvrières qui, à l’arrière, fabriquent des obus à en avoir les mains et les cheveux jaunes. Elles ont un mari, un frère, des enfants sur le front, une famille à nourrir « sans homme à la maison ». Dans l’enfer de l’arsenal, chaque jour empoisonnées un peu plus par cette poudre jaune, payées deux fois moins que les hommes, elles font la connaissance de leur destin d’ouvrières mais découvrent aussi la liberté de corps, de paroles, d’esprit, les conditions inhumaines de travail, la solidarité, la résistance… Julie, Rose, Jeanne et Louise, quatre portraits de femmes émouvantes que l’Histoire a lâchement oubliées. Et il faudra encore attendre plus d’un quart de siècle, une autre guerre, d’autres douleurs, pour que les hommes accordent le droit de vote à ces femmes…

Voilà plus de vingt ans que Mourad Merzouki est l’une des figures essentielles du hip-hop en France, ayant réussi à transposer avec bonheur cette gestuelle de la rue à la scène. Actuellement directeur du Centre Chorégraphique National de Créteil et du Val-de-Marne / Compagnie Käfig, il poursuit et développe son projet depuis toujours placé sous le signe de la rencontre, de l’ouverture sur le monde, de la recherche constante sur le mouvement et du métissage subtil entre les arts, sans que jamais l’un ne prenne le pas sur l’autre.

Cette création est née d’une rencontre éblouissante entre le chorégraphe et les travaux d’Adrien Mondot et Claire Bardainne, artistes numériques, et de l’envie d’oser un nouveau rapprochement en exploitant les nouvelles technologies avec et pour la danse. Oser mêler la virtuosité et l’énergie du hip-hop à cet univers impalpable qu’est la projection lumineuse et… faire dialoguer ces deux mondes. Portés par des violons, du piano et des chants, onze interprètes, danseurs et circassiens, voyagent dans des paysages mouvants, où la frontière entre réel et virtuel devient illusoire. Corps humains et matières numériques se rejoignent alors dans une intime complicité : habiter la danse dans un espace où le corps n’est confronté qu’à des rêves. Brouiller le vrai et le faux. Inverser les lois de la gravité. Soudain faire surgir l’impossible. Ce spectacle offre un monde sensible où l’illusion prend corps et chair, où une poésie inédite et joyeusement envahissante s’élève de cette connivence.

Le travail de François Rancillac a marqué l’histoire de la Scène nationale de Cavaillon par la présentation de deux pièces de Jean-Luc Lagarce, Le Pays lointain, en 2001, Retour à la citadelle, en 2007, également par une création La divine origine (Cherchez la faute !) proposée, en 2008, dans le cadre d’une tournée Nomade(s). Cette saison, le metteur en scène et sa compagnie reviennent avec La place royale de Pierre Corneille. Le premier talent de ces artistes aura été d’avoir eu l’audace de réinviter Pierre Corneille sur scène, au coeur même du spectacle vivant. Renaissance d’un auteur trop longtemps délaissé.

Alidor et Angélique s’aiment follement…
La place royale, c’est l’histoire, ce sont les histoires de cette folle histoire d’amour. Elles mettent en lumière, dans une délicate impudeur, les souffrances des Hommes face au sentiment qui les emporte et l’exubérance de leurs peurs dévastatrices. Peur de perdre la liberté et paradoxalement peur d’être brusquement abandonné. Peut-être est-il préférable de provoquer la douleur pour qu’elle ne surprenne pas ? Ici, l’Homme est au centre de l’oeuvre. En pleine lumière. L’Homme d’hier, d’aujourd’hui, de demain. Il est là, exposé avec ses richesses infinies et ses fragilités envahissantes. Mais, en reflet, c’est bien nous qui sommes exposés à nos propres lumières, à nos propres ombres. L’approche de la période classique vers la période contemporaine et vice versa s’opère subtilement. Sans heurts. Sans oppositions. Le métissage est parfait. Quant à la langue, elle est d’autant plus touchante qu’il faut partir à sa rencontre, et devient alors d’une grande limpidité, grâce à de jeunes comédiennes et comédiens remarquables d’audace et d’aisance.

Depuis 25 ans, Agnès Limbos est la dentellière du théâtre d’objets, avec une série de spectacles qui ont marqué les esprits, laissant des bleus à l’âme et du rouge aux joues. Petits moyens, grands effets : du théâtre à observer à la loupe, pour ne rien rater. Regardez, voici un taxi dans le brouillard… un hôtel dans la nuit… un jeune couple troublé. Est-ce un rêve en rose ou un cauchemar satiné ? On a bien du mal à trancher, face à l’imagination débordante et quasiment muette d’Agnès Limbos et de Gregory Houben, armé de sa trompette.

Voilà un long-métrage théâtral à suspens. Deux petites silhouettes de mariés volées à une pièce montée, un nuage de fumée, un taxi miniature et deux personnages qui partent en voyage de noces, fin prêt pour le naufrage. Car c’est dans un voyage au bout de l’enfer conjugal que s’embarquent les deux partenaires : passeport pour l’ennui, bêtise à deux, désamour… Et pourtant, ils avaient planifié leur bonheur à venir… New York, « around midnight », entre fumée de cigarette et brume nocturne, une nuit de noces interminable, parfaite et hollywoodienne. Tout à coup, le rose vire au gris et les deux tourtereaux chavirent du sublime à l’abîme. Pourquoi ? Suspens ! Au loin, l’orage gronde. Est-ce l’orage ? Dans ce vertige où la frayeur frôle la drôlerie, ils essaient de retrouver leur équilibre pour le pire et le meilleur. Voilà tout l’univers doux et amer de la compagnie belge La Gare Centrale.

La crise du couple, la crise dans le monde, au service d’une transposition poétique et des aspirations humaines qui en découlent. Gregory Houben et Agnès Limbos, surfent entre jeu, narration, incarnation au cœur d’un théâtre d’objets, de dialogues et de musiques en tentant de rester souriants. Un rail de chemin de fer miniature trace un cercle autour d’un monde, miniature lui aussi, composé d’une table, de deux claviers, d’une trompette. Et deux comédiens manipulateurs, interprètes clownesques, pour donner la vie, pour raconter l’Homme et le monde.

Au départ, il y a un couple heureux, dans le cocon d’une coquette maison, « a beautiful house in a residential area », avec une voiture à crédit, un jardin à la française « with so marvelous roses », un chien fidèle qui jamais ne quitte leurs pas… Qu’est-il arrivé ? Ces amoureux ont soudain tout perdu. Même le chien. La banque a tout repris. Ils sont, du jour au lendemain, errants en pleine mer sur un rafiot de pauvre fortune. Jouet des vents dominants, le couple et le rafiot tanguent. Les directions sont incertaines. Le dénuement est à son comble. Seul Jésus peut encore
leur venir en aide, leur rendre leur « colour TV ». Ils font appel à lui dans un déchirant Gospel et finissent par échouer sur un morceau de terre. Vierge ? Il y a là peut-être quelque chose à faire, à prendre, à construire ? En rêve, dans la nuit, passent les caravelles de Colomb, accompagnées par la musique des grandes conquêtes…